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Ich habe mir die Koto nicht ausgesucht. Die Koto hat mich gewählt. Meine Mutter war Koto-Lehrerin, also bin ich mit dem Instrument aufgewachsen.
Die Koto ist ein japanisches Saiteninstrument, das oft als eine Art Zither bezeichnet wird, aber von der Spielweise her eher als eine Querharfe beschrieben werden könnte. Die traditionelle Koto hatte 13 Saiten aus Seide, bewegliche Stege aus Elfenbein und wurde mit drei Fingerpicks aus Hirschleder und Elfenbein gespielt. In der Neuzeit galten einige dieser Materialien als "politisch unkorrekt" oder zu kostspielig im Unterhalt und wurden weitgehend durch synthetische Materialien wie Kunststoff und Nylon ersetzt. Die traditionelle Koto-Musik ist grundsätzlich einstimmig und wird mit den Fingerpicks auf den Mittel- und Zeigefingern und dem Daumen der rechten Hand gespielt, wobei die linke Hand hauptsächlich zum Biegen der Saiten verwendet wird. Im Gegensatz zur Gitarre oder zum Klavier müssen die Stege an die Tonleiter der Komposition angepasst werden, was sowohl ein Vorteil für das Spielen ungewöhnlicher Tonleitern oder Mikrotöne als auch ein Nachteil für das Spielen von Akkordwechseln ist.
Ich spiele zwei Arten von modernen Koto, die im 20. Jahrhundert entwickelt wurden - das 21-saitige Koto, das den Tonumfang des traditionellen Koto beträchtlich erweitert hat, und das 17-saitige Koto, das manchmal auch als Bass-Koto bezeichnet wird, obwohl sein Tonumfang eher dem eines Cellos entspricht. Meine beiden Koto wurden für die Verstärkung modifiziert und können direkt an einen Verstärker oder ein PA-System angeschlossen werden. Ich verwende auch verschiedene elektronische Effekte wie Verzerrung, Looping, Delay und Ringmodulation. Ich setze auch verschiedene erweiterte Spieltechniken ein. Schlagzeugstöcke, ein Kontrabassbogen, eine Metallstange für das Slide-Spiel, ein Minibecken und verschiedene andere Kleinigkeiten gehören zu meiner üblichen Ausrüstung. Ich bezeichne meine gesamte Ausrüstung gerne als "Hyper-Koto". Meine eigene Musik ist harmonischer als das traditionelle Koto-Spiel, weil ich beide Hände zum Zupfen der Saiten und zum Spielen von Akkorden benutze. Aber ich denke gerne, dass meine Instrumente, mein Gesangsstil und die Musik, die ich schreibe, alle Erweiterungen der traditionellen japanischen Musik sind.
Ich würde mich selbst nie als Jazzmusiker bezeichnen, aber da ich mich seit langem mit improvisierter Musik beschäftige, hatte ich das Glück, mit vielen guten Jazzmusikern und einigen der weltweit bekanntesten Improvisatoren zusammenzuarbeiten.
Von klein auf habe ich gerne auf der Koto "herumgespielt" und spontan Lieder und Melodien erfunden, wenn ich nicht gerade das traditionelle Repertoire übte, das mir meine Mutter beibrachte. Irgendwann wurde ich der Koto überdrüssig und wechselte zum Klavier. Ich kehrte zur Koto zurück, nachdem ich in meinen späten Teenagerjahren ein zeitgenössisches Stück für Bass-Koto im Radio gehört hatte, und ging mehrere Jahre lang bei Tadao Sawai, einem der bekanntesten Koto-Spieler und Komponisten der Nachkriegszeit, und seiner Frau Kazue Sawai in die Lehre. Bei einer Gelegenheit ließen sie mich an einem Improvisationsworkshop teilnehmen, bei dem ich feststellte, dass ich ein natürliches Gespür für Improvisation hatte. Als die Sawai-Schule mich für ein Jahr als Dozent für japanische Musik an die Wesleyan University in die USA schickte, kam ich zum ersten Mal mit der Musik von John Cage, Christian Wolff und anderen zeitgenössischen Komponisten in Berührung, was zu Begegnungen mit in New York lebenden Komponisten und Improvisatoren wie John Zorn und Elliott Sharp führte. Ich begann, neue Stücke für Koto uraufzuführen, und wurde auch zu einigen Improvisationsauftritten eingeladen.
Nicht lange nach meiner Rückkehr nach Japan beschloss ich, meine eigene Musik zu machen. Als John Zorn mich Ende der 1990er Jahre bat, für sein Tzadik-Label Aufnahmen zu machen, arbeitete ich in Tokio als freischaffender Performer und Improvisator und begann, mein eigenes Material zu komponieren. Im ersten Jahrzehnt der 2000er Jahre erweiterte sich der Kreis meiner musikalischen Partner sowohl im In- als auch im Ausland dramatisch. Ich hatte das Glück, viele unglaubliche norwegische Musiker wie Paal Nilssen-Love, Ingebrigt Háker Flaten, Eivind Aarset und Bugge Wesseltoft kennenzulernen und mit ihnen zu arbeiten. Ich habe viel mit dem verstorbenen Peter Brötzman gearbeitet, der einer meiner wichtigsten Mentoren wurde. Und ich begann eine langjährige Zusammenarbeit mit einem der besten Jazz-Schlagzeuger Japans, Tamaya Honda, mit dem ich Dōjō gründete, das wahrscheinlich erste improvisierende Koto-Schlagzeug-Power-Duo der Welt. Das bringt uns ziemlich genau zum heutigen Tag, denke ich.
Das ist interessant, dass Sie mich das fragen. Zu bestimmten Zeiten in der Geschichte waren die Koto und einige ihrer asiatischen Verwandten ein Instrument des persönlichen Trostes. Im Japan des Mittelalters zum Beispiel wurde die Koto vor allem von Frauen der Oberschicht privat gespielt. Ich glaube, ein Aspekt davon hat sich bis heute erhalten.
In meinem Fall haben sich die Dinge seit meiner Jugend etwas verändert, und wenn ich alleine spiele, bedeutet das in der Regel, dass ich komponiere oder übe, anstatt einfach nur Spaß zu haben. Was die Frage angeht, ob ich lieber vor einem kleinen oder großen Publikum auftrete, muss ich sagen, dass es für mich keinen Unterschied gibt. Ob ich nun vor drei oder vor dreitausend Leuten spiele, ich habe das Gefühl, das Publikum in mein eigenes Wohnzimmer eingeladen zu haben. Für mich ist ein Auftritt immer hautnah und persönlich.
Ich spiele Solokonzerte, Dōjō-Konzerte, manchmal mit einem Gast, der sich mir und Tamaya anschließt, die in der Regel vollständig improvisiert sind, und Trio-Konzerte mit Tamaya und dem Bassisten Takashi Sugawa, bei denen meist meine eigenen Originalkompositionen gespielt werden. Ich leite ein Multi-Koto-Ensemble namens Talon, für das ich hauptsächlich Originalkompositionen schreibe, aber wir spielen auch Bearbeitungen von traditionellem japanischem Material sowie einige ausgefallene Covers (z. B. die Titelmelodie der Fernsehserie "Captain Ultra" aus den 60er Jahren, komponiert von Isao Tomita).
Früher leitete ich eine Gruppe namens Michiyo Yagi Double Trio mit zwei Schlagzeugern und zwei Bassisten (einer davon spielt auch Cello), die ich hoffentlich eines Tages wieder aufleben lassen kann (wir waren ein kleiner Hit beim Moers Festival 2011).
Was Aufnahmen anbelangt, so habe ich demnächst ein neues Album bei Jazzland Recordings herausgebracht, das von Eivind Aarset mitproduziert wurde, und außerdem mehrere Dōjō-Sessions mit einigen interessanten Gästen. Es gibt einige unveröffentlichte Auftritte mit Peter Brötzmann, die hoffentlich das Licht der Welt erblicken werden. Und ich kann es kaum erwarten, Talon ins Studio zu bringen.
Ich kann wirklich keinen der drei Gigs, die ich in Saalfelden spiele, den anderen vorziehen. Tamaya und ich waren vor einigen Jahren mit Ingebrigt Håker Flaten auf Tour, und es war jeden Abend ein Riesenspaß. Eivind Aarset ist sowohl Tamayas als auch mein Lieblingsgitarrist, deshalb freuen wir uns sehr darauf, wieder mit ihm zu spielen. Was mein Duo mit Hamid Drake angeht, so haben wir im November letzten Jahres in Polen zum ersten Mal zusammen gespielt, nachdem wir vor fast 20 Jahren versprochen hatten, dies zu tun. Ich muss zugeben, dass es einer meiner Lieblingsauftritte aller Zeiten war, also hoffen wir, dass wir das dieses Jahr noch toppen können.
Ich kann mir nicht vorstellen, etwas anderes zu tun. Ohne eine Karriere in der Musik wäre ich vielleicht... eine rasende Hausfrau geworden? (LOL)
Vor vielen Jahren habe ich in Wien mit dem Kazue Sawai Koto Ensemble gespielt. Und ich habe zweimal beim Unlimited Festival in Wels gespielt, beide Male mit Peter Brötzmann.
Ich füge hinzu, dass ich mich sehr geehrt fühle, dieses Jahr einer der "Artists in Residence" des Jazzfestivals Saalfelden zu sein. Ich verspreche, dem Publikum meine 100% zu geben. Und ich hoffe, dass Peter über mich wachen wird.
